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Coro	I New Chamber Singers Soprani: Aline Loiseau, Carlotta Caimi, Diane Pereira, Emmanuelle Judet, Helen Raiswell, Ines Buono, Kasey Cohimia, Marcella Mancini Contralti: Alessandra Darin, Andrea Perlis, Carla Carri, Eleni Dimmler, Jo Glaiser, Judith Faulkner, Laura Alimonti, Louise Gullifer, Lu Zarkovic, Mary New, Monika Boothby, Tina Alberti Tenori: Alessio Paoletti, Chris Phillips, Franco Chiarini, Giacomo Salvatori, Stephen Weiss Bassi: Jim McManus, Jörg Schaden, Robert Gullifer, Roberto Di Mattei, Thomas Hofer, Tom Whalen
Direttori	Stefano Vasselli (1969 – ), Francesco del Fra (1975 – )
Organista	Efisio Aresu (1997 – )
Programma	If ye love me	Thomas Tallis (1505 – 1585)
	Magnificat e Nunc Dimittis in do maggiore	Charles Villiers Stanford (1852 – 1924)
	Spirito santo, Amore	Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525 – 1594)
	Figlio d’immortal Padre	Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525 – 1594)
	Ricercare del Secondo tono per Organo	Costanzo Antegnati (1549 – 1624)
	Sicut Cervus	Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525 – 1594)
	O Salutaris Hostia	Gioachino Antonio Rossini (1792 – 1868)
	Pater Noster	Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (1813 – 1901)
	O Sacrum Convivium	Monsignor Lorenzo Perosi (1872 – 1956)
	O Pray for the Peace of Jerusalem	Herbert Howells (1892 – 1983)
	Toccata from Symphony for Organ No. 5	Charles-Marie Widor (1844 – 1937)
	Deep River	Anonimo, arrangiamento: Stefano Vasselli (1969 – )
	Ev’ry time I feel the Spirit	Anonimo, arrangiamento: Stefano Vasselli (1969 – )

Il nostro manifesto del concerto utilizza la metafora dei fiori primaverili illuminati dal sole nascente per evocare la Resurrezione di Cristo. Perché è proprio questo che abbiamo: i fiori di 450 anni di ispirazione cristiana che danno vita a una musica che si schiude come fiori primaverili alle nostre orecchie ricettive. Spaziamo dai delicati madrigali spirituali di Palestrina, simili a orchidee, alle ricche rose del Magnificat e del Nunc Dimittis di Stanford, fino alla serena grandiosità di campanule e narcisi in un'ambientazione boschiva, rappresentando i popolari spiritual afroamericani arrangiati dal nostro maestro. Buon ascolto!

If ye love me. Questa messa in musica delle parole di Gesù, come riportato dall'apostolo Giovanni (14: 15-17), fu tra i primi testi biblici ad essere musicati in inglese volgare. La prima Bibbia in lingua inglese fu pubblicata nel 1539 e Tallis scrisse questo brano circa 10 anni dopo, quando, nel 1549, la Chiesa stabilì questo testo come lettura evangelica standard per la domenica di Pentecoste. La sua composizione segue le indicazioni dei primi ecclesiastici anglicani che si adoperavano per diffondere la Grande Bibbia (come era conosciuta all'epoca), i quali decretarono ai compositori: "ad ogni sillaba una nota chiara e distinta".

Magnificat e Nunc Dimittis in do maggiore Charles Villiers Stanford scrisse quest'opera nel 1909, ed è da allora diventata un punto fermo per i cori inglesi che cantano i Vespri nelle chiese e nelle cattedrali di tutto il paese. Fu composta per il coro della Cattedrale di San Paolo a Londra, ed è rinomata per il suo approccio su larga scala, guidato dall'organo e leggermente sinfonico, spesso associato alla tradizione del "Great Service". Stanford era un compositore, insegnante di musica e direttore d'orchestra anglo-irlandese del tardo periodo romantico. Nato a Dublino in una famiglia benestante e di grande talento musicale, studiò all'Università di Cambridge prima di proseguire gli studi musicali a Lipsia e Berlino. Nel 1882, all'età di 29 anni, fu uno dei professori fondatori del Royal College of Music, dove insegnò composizione per il resto della sua vita, oltre ad essere stato professore di musica a Cambridge dal 1887. Come insegnante, Stanford era scettico nei confronti del modernismo e basava il suo insegnamento principalmente sui principi classici, come esemplificato nella musica di Brahms. Tra i suoi allievi ci furono compositori emergenti la cui fama avrebbe poi superato la sua, come Gustav Holst e Ralph Vaughan Williams. I suoi pezzi più ricordati sono le sue opere corali per l'esecuzione in chiesa, composte principalmente nella tradizione anglicana, come il pezzo che eseguiamo. Alcuni critici consideravano Stanford, insieme a Hubert Parry e Alexander Mackenzie, responsabile di una rinascita della musica delle Isole Britanniche. Tuttavia, nonostante il suo notevole successo come compositore negli ultimi due decenni del XIX secolo, la sua musica è stata eclissata nel XX secolo da quella di Edward Elgar nonché dai suoi ex allievi.

Spirito santo, Amore e Figlio d’immortal Padre. Questi due madrigali spirituali, un genere amato dai sostenitori della Controriforma, furono scritti da Palestrina a distanza di alcuni anni l'una dall'altro. Il primo fu pubblicato nel 1581 e il secondo alla fine della sua vita, nel 1594. Si noti che, come l'opera di Tallis, entrambi sono scritti in volgare, in questo caso in italiano del XV e XVI secolo. Spirito santo, amore è stato scritto da Leonardo Giustinian (1388 – 1446), politico, umanista e compositore veneziano, mentre Figlio d’immortal Padre scaturì dalla penna di Antonio Migliore, vescovo di San Marco, che pubblicò il suo poema nel 1593.

Secondo la maggior parte dei musicologi, lo “stile di Palestrina” seguiva queste linee guida fondamentali:

• Il flusso della musica è dinamico, non rigido o statico.
• La melodia deve contenere pochi salti tra le note. ("La linea è il punto di partenza dello stile di Palestrina".)
• Se si verifica un salto, questo deve essere piccolo e immediatamente contrastato da un movimento graduale nella direzione opposta.
• Le dissonanze devono essere limitate alle sospensioni, alle note di passaggio e ai tempi deboli. Se si cade su un tempo forte (in una sospensione), la dissonanza deve essere risolta immediatamente.
• Il fraseggio musicale segue la sintassi delle frasi che ha musicato, un aspetto non sempre rispettato dai compositori precedenti.
• Lo stile è noto per la sua pittura tonale, ad esempio dove parole come descendit (discende) sono impostati su un movimento musicale discendente.

Costanzo Antegnati nacque a Brescia, in una famiglia di prolifici costruttori di organi, ed esercitò la professione di famiglia in varie città della pianura lombarda. Un organo Antegnati (restaurato) del 1588 può ancora essere ascoltato nella chiesa di San Nicola a Bergamo. È famoso soprattutto per il libro L’arte organica (1608) che fornisce dettagli tecnici su 144 organi costruiti dalla sua famiglia, regole sull'accordatura di organi e clavicembali e consigli sulla registrazione degli organi. Nonostante avesse subito un ictus al lato sinistro intorno al 1600, continuò a essere organista principale del Duomo di Brescia fino al 1620, quando la mano sinistra menomata gli impedì di proseguire. Tuttavia, non fu licenziato e mantenne il suo stipendio, poiché era considerato "degno della città". Il suo "Ricercare del Secondo tono" fu pubblicato per la prima volta nel 1608.

Sicut Cervus. Questo mottetto per quattro voci di Palestrina è una composizione sui versetti 1-3 del Salmo 42 (Salmo XLI nella versione latina). Il salmo era un trattato prescritto per la benedizione dell'acqua il Sabato Santo, che richiama l'acqua del battesimo e l'“acqua viva dell'eucaristia”. È composto interamente in polifonia imitativa, che mette in risalto il significato del testo attraverso una sottile pittura sonora. Ad esempio, per la frase “desiderat ad fontes“, esprimendo il desiderio d’acqua di un animale assetato, il ritmo è più veloce e la melodia sale, raggiungendo il suo apice sulla parola “fontes" (ruscelli, acqua, fontane). È diventato uno dei mottetti più popolari di Palestrina, considerato un modello di polifonia rinascimentale, che esprime un "anelito spirituale sereno ma fervente".

O Salutaris Hostia. (“O Vittima Salvatrice”) sono le ultime due strofe dell'inno eucaristico Verbum supernum prodiens scritto da San Tommaso d'Aquino per la Festa del Corpus Domini e l'Ora di Lodi nell' Ufficio Divinoe utilizzato per l'Adorazione del Santissimo Sacramento. Gli altri due inni scritti da Tommaso d'Aquino per la festa contengono le famose sezioni Panis angelicus e Tantum ergo. Cantiamo il setting di queste due strofe di Gioachino Rossini, il compositore italiano del tardo periodo classico e del primo periodo romantico, che raggiunse la fama grazie alle sue 39 opere liriche. Tuttavia, scrisse anche molte canzoni, alcuni brani di musica da camera e per pianoforte e alcune musiche sacre. Musicò queste strofe due volte, la prima nel 1857 come versione corale autonoma, che cantiamo, e di nuovo nel 1863 come assolo per soprano nella sua Petite Messe Solonelle, entrambe scritte nella parte finale della sua carriera di compositore, quando si era allontanato dall'opera lirica.

Pater Noster. Passiamo ora a un altro compositore italiano, noto molto più per le sue opere liriche che per la sua musica sacra. Giuseppe Verdi fu un altro compositore italiano che arrivò a dominare la scena operistica italiana dopo l'era di Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini, e Gaetano Donizetti, i cui lavori lo influenzarono notevolmente. Le sue opere sacre furono poche e sparse, e a parte lo spettacolare e bellissimo Requiem, poco conosciute. Scrisse il Pater Noster nel 1873 o nel 1880 (diverse fonti riportano date differenti). Si tratta di una versione in italiano del Pater Noster latino, adattata alla lingua del XIV secolo da Antonio Beccari (1315-1373). "Adattamento" nel senso che la preghiera latina non solo fu tradotta in italiano, ma si sviluppò dalle 49 parole dell'originale latino alle 143 parole che cantiamo. Si noti che spesso questo testo viene erroneamente attribuito a Dante Alighieri per la sua somiglianza con il Canto XI del Purgatorio della Divina Commedia, versi 1-24.

O Sacrum Convivium. Questo è un testo in prosa latina in onore del Santissimo Sacramento. È incluso come antifona al Magnificat nei vespri dell'ufficio liturgico nella festa del Corpus Domini. Anche in questo caso, il testo è stato attribuito a San Tommaso d'Aquino. I suoi sentimenti esprimono la profonda affinità della celebrazione eucaristica, descritta come un banchetto, con il mistero pasquale: "O sacro banchetto in cui Cristo viene consumato, si rievoca la memoria della sua Passione, le nostre anime sono colmate di grazia e ci viene data la promessa della gloria futura". La versione che cantiamo è stata scritta nel 1897 da Monsignor Lorenzo Perosi, compositore italiano di musica sacra e unico membro della “Giovane Scuola” (successori di Verdi, fioriti tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo) a non aver scritto opere liriche. Alla fine degli anni 1890, quando aveva poco più di vent'anni, Perosi era un compositore di musica sacra di fama internazionale, soprattutto per i suoi oratori di ampio respiro. La fama di Perosi non si limitava all'Europa. Un articolo nel New York Times nel 1899, intitolato "Il genio di Don Perosi", iniziava così: "Il grande e sempre crescente successo che ha accolto i quattro nuovi oratori di Don Lorenzo Perosi ha posto questo giovane sacerdote-compositore su un piedistallo di fama paragonabile solo a quello accordato negli ultimi anni all'idolatrato Pietro Mascagni dai suoi connazionali". Perosi lavorò per cinque papi, tra cui Papa Pio X, che favorì notevolmente la sua ascesa. Oggi, tuttavia, è in gran parte trascurato.

O Pray for the Peace of Jerusalem è una composizione musicale dei versetti 6 e 7 del Salmo 122 (Salmus CXXI). Si dice che il salmo sia stato scritto dal re Davide ed è stato descritto come "la meditazione di un pellegrino che, dopo essere tornato alla quiete della sua casa, riflette sui felici ricordi del suo pellegrinaggio". La musica è di Herbert Howells, compositore, organista e insegnante inglese, famoso soprattutto per la sua vasta produzione di musica sacra anglicana. Proveniente da un ambiente povero (suo padre fu dichiarato in bancarotta quando Howells aveva solo 12 anni), il suo talento nascente come organista e come compositore attirò l'attenzione di un aristocratico locale, il Visconte Bedisloe, che gli rese possibile studiare insieme a Ivor Novello e Ivor Gurney, entrambi importanti compositori dell'inizio del XX secolo. Il suo successo locale negli studi lo portò con Gurney a Londra per studiare al Royal College of Music, dove fu allievo di Charles Villiers Stanford (vedi sopra!), Hubert Parry e Charles Wood e condivise lezioni con Arthur Bliss e Arthur Benjamin, nonché Gurney, tutti nomi importanti nella musica dei primi del Novecento. Fiorì in quella che considerava l'atmosfera "familiare e accogliente" del College, e la sua Messa in modo dorico fu eseguita nella Cattedrale di Westminster poche settimane dopo il suo arrivo. Nel 1915, tuttavia, la sua vita subì un altro duro colpo quando gli fu diagnosticata la malattia di Graves, una patologia autoimmune che all'epoca si riteneva incurabile. Gli furono dati sei mesi di vita. Ma una nuova terapia a base di iniezioni di radio, somministrata nei due anni successivi, gli salvò la vita e permise al suo genio di fiorire.

Nonostante la malattia, continuò a comporre e riuscì a pubblicare le sue opere e a guadagnarsi da vivere dignitosamente. Nel 1920 entrò a far parte del corpo docente del Royal College of Music, dove rimase per 59 anni, insegnando a molti dei nomi che oggi adornano la scena della musica classica britannica. In questi 59 anni le sue composizioni si orientarono maggiormente verso la musica corale e organistica, che incluse O Pray for the Peace of Jerusalem, scritto nel 1941 dopo essersi trasferito a Cambridge per diventare organista ad interim al St John’s College.

La celebre toccata di Widor dalla Quinta Sinfonia è spesso utilizzata come musica di congedo durante le festività natalizie, pasquali e nuziali. La melodia si basa su un arrangiamento di rapidi arpeggi staccati, completati da accordi sincopati e contestualizzati da una linea di basso discendente. Gli arpeggi modulano attraverso tutte le dodici tonalità, fino a quando Widor conclude la sinfonia con accordi a blocchi fortissimi nelle ultime tre battute. Widor nacque a Lione e studiò a Bruxelles, ma dopo is sui studi si trasferì a Parigi, dove lavorò per il resto della sua vita. La Quinta Sinfonia fu composta nel 1878/79, quando era organista a Saint-Sulpice, ma fu eseguita per la prima volta al Palazzo del Trocadéro della città.

Deep River è uno spiritual afroamericano anonimo, reso popolare dal compositore nero Henry Burleigh nella sua collezione del 1916: Jubilee Songs of the USA. La canzone fu menzionata per la prima volta in forma scritta nel 1876, quando fu pubblicata nella prima edizione di The Story of the Jubilee Singers: With Their Songs, da J. B. T. Marsh. I Fisk Jubilee Singers erano un importante gruppo di cantanti afroamericani della Fisk University, che furono i primi a girare il mondo cantando spiritual. Nel 1917, quando Harry Burleigh completò l'ultimo dei suoi numerosi e influenti arrangiamenti, il brano era già diventato molto popolare nei recital. È stato definito "forse lo spiritual più conosciuto e amato". L'arrangiamento di Stefano Vasselli di una melodia per soprano su un accompagnamento a quattro voci evoca il movimento languido del metaforico fiume profondo che gli schiavi delle piantagioni americane desideravano attraversare per raggiungere il "campo base", un luogo idealizzato di pace, sicurezza e libertà assoluta, che spesso rappresentava il Paradiso o una terra promessa. Il termine si rifà alla tradizione dei risvegli religiosi del XIX secolo o "raduni all'aperto", che offrivano agli schiavi una rara e temporanea tregua dal lavoro e un'opportunità di culto comunitario.

Ev’ry time I feel the Spirit è anch'esso uno spiritual afroamericano anonimo che probabilmente ha avuto origine nel Sud prebellico tra le persone schiavizzate. Si dice che Abraham Lincoln , durante la Guerra Civile Americana, abbia visitato un campo di detenzione per contrabbandieri a Washington, D.C., e che un gruppo di ex schiavi abbia cantato per lui. Si dice che "Ev'ry time" lo abbia commosso fino alle lacrime. La canzone rimase un classico della musica religiosa afroamericana e trovò spazio nei libri di inni tradizionali all'inizio del XX secolo. L'arrangiamento di Stefano inizia con un assolo riflessivo che introduce l'esuberante sezione principale, con strofa e ritornello alternati, ognuno dei quali riceve un trattamento musicale leggermente diverso. Molti hanno registrato versioni di questa canzone, ma crediamo che troverete questa versione piacevolmente diversa.

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